週刊「歴史とロック」

歴史と音楽、たまに本やランニングのことなど。

ラブリーサマーちゃん 『LSC』

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大人になる一歩手前の
「憂い」と「揺らぎ」


毎日顔を合わせていたクラスメイトの女の子が、
実は某国のお姫様だった。

あるいは、

いつまでも子供だと思っていた近所の女の子が、
ふと気づいたらいつの間にか大人の女性に変身し、
手の届かないところへ羽ばたいていってしまった。

…みたいな例えをアラフォー男がブログに書くのは、
本当にキモいって分かってはいるんだけど、
ラブリーサマーちゃんのメジャーデビューアルバム『LSC』
最初に聴いたときの感想は、まさにそんな感じだったのです。
いや〜、「衝撃」と表現してもいいくらい、素晴らしいアルバムでした。

僕がラブリーサマーちゃんをフォローするようになったのは、
彼女がFor Tracy Hydeに加入する前だったので、2年以上前になると思います。
フォトハイはもちろん、『よしよしサマー』以降、
彼女のソロ音源も熱心に買っていたのですが、
それはなんというか、「面白そう」「なんか気になる」というような気持ち、
要するに興味や好奇心からでした。
それが、今回のアルバムではっきりと「好き」になったような気がします。

何がそんなに良かったのか。

まず、ソングライターとしてすげえ
という点が挙げられます。

これまでの彼女の楽曲は、いい意味でも悪い意味でも、まだどこか垢抜けない、
「アングラさ」があったと思います。
ところが今回の『LSC』では、
(おそらく以前からストックしていたのだろうけど)一気に洗練されました。

個々の楽曲のポップさもさることながら、
特筆すべきは楽曲のバラエティの広さです。
<青い瞬きの途中で>オアシスを彷彿とさせる90年代ブリットポップ、
<202>はソフトなR&B、
そして<PART-TIME ROBOT>はヒップホップと、
「これマジで1人の人が書いたの?」という感じ。
アコースティックなバラード<わたしのうた>なんて、
音の中に沈んでいくようでホントに好きだなあ。
<天国はまだ遠い>の寒々しいギターの音なんかもすごくいい。
(あと<私の好きなもの>にこんなに長く付き合うことになるとも思ってなかった)



そしてもう一つ。
こっちが冒頭述べた“例え”につながるんだけど、
ラブリーサマーちゃんの声は、これまでとは明らかに変わった気がします。

これまではやくしまるえつこにも似た、
幼さや拙さが残る「ロリ声」だったのが、
このアルバムでは大人になる一歩手前のような、
「憂い」や「揺らぎ」のある声になりました。
再録された<ベッドルームの夢>なんて、かつてのep版とはまるで別の曲です。
そういう意味では本作のジャケットが、これまでのような可愛いイラストではなく、
青一色であることは象徴的です。

これはどういう変化なんだろう。
年齢に伴う自然な変化なのであれば、ドキュメンタリーを目撃したようなドキドキがあるし、
意図的な変化だったとしても、それはそれで彼女の底なしの才能を見た気がして身ぶるいします。
少なくとも、この声の変化によって、歌える歌の幅は格段に増したはずだし、
前述の楽曲のバラエティとも無縁ではないはず。
彼女はthe brilliant greenが好きだと公言してるけど、
川瀬智子の声に似てきた気がします。

メジャーデビューすると聞いたときは、
正直「やっていけるのだろうか」とちょっと懐疑的だったのですが、
現実の『LSC』は、そんな僕の「上から目線」をひねり潰すような、
素晴らしいアルバムでした。
(死語ですが)セルアウトだと言い出す人はいるんだろうなあ。
でもこういうアルバムこそ売れないで何がポップスだよと僕は思います。








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The School 『Wasting Away And Wondering』

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ありがとう50年代、60年代の
アメリカンポップスたち


英国ウェールズの首都カーディフ出身のバンド、The School
今年に入ってから激ハマリしているバンドです。
現時点での最新作が、2015年にリリースした3枚目『Wasting Away And Wondering』

まずなんといってもジャケットがいいですね。
セピアがかった写真のトーンもいいし、
古いマーケットのようなレコードショップというロケーションも素敵。
このレコード屋行ってみたいなあ。

写真の中でレコードを選んでいるのが、ボーカル/キーボードのリズ
The Schoolは彼女が中心になって2007年に結成されました。
彼女の他にドラム、ギター、ベース、さらにヴァイオリン2人にトランペット1人の
計7人という大所帯バンドです。(2ndの頃は8人いました)

カーディフ出身の大所帯バンドというとLos Campesinos!がパッと頭に浮かびますが、
北欧ポップとパンクを混ぜたような先鋭的なロスキャンとは対照的に、
The Schoolの音楽は50〜60年代のアメリカンポップスの匂いを感じさせる、
ノスタルジックでありながらもエターナルな響きをもっています。
セピア色のレコードショップ」というジャケット写真には、
彼女たちの音楽性が端的に表れているといえるでしょう。



もう…本当に最高です。たまんないです。
The SupremesThe Shangri-las、The Ronettes、The shirelles、そしてブライアン・ウィルソン
リズがフェイバリットとして挙げたアーティスト、全部僕もツボなんですけど。
そりゃあ合うはずだよなあ。

そして、中でも僕が「ああ!」と納得してしまったのは、
リズが現代のバンドの中で好きなアーティストとして、
先週紹介したThe Primitivesを挙げていたこと。
しかも調べてみたら、レーベル(スペインのElephant Records)まで一緒でした。
うおお、つながるなあ。

今年はThe Lemonsを聴いたのを機に、
自分の好みのルーツというものを意識することが多くなりました。
そして、そのルーツというのが50〜60年代のアメリカンポップスにあるんじゃないかと気づく
(好きであることは自覚してたけど、ルーツとしてより強くそれを意識する)
きっかけを与えてくれたのが、The Schoolだったのです。

まあ、生まれていない時代を「ルーツ」と呼ぶのはヘンかもしれませんが、
でも生まれてない時代の音楽に強烈なノスタルジーを抱くのも事実。
そして、リズをはじめ、僕よりも若く、生まれ育った国も違う人たちが、
50’s、60’sに対して(きっと)同じように憧れを持っていることが、
今さらながら不思議な気がします。








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The Primitives 『Spin-O-Rama』

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「王道」という名の希少種

英国コヴェントリー出身のバンド、The Primitives
3年ほど前に初めて知って、あまりに好みにドンピシャだったので聴きまくっているのですが、
バンドの結成は1985年という、実は超がつくほどのベテランバンドです。

85年の結成後、何度かのメンバーチェンジを経て、
88年に発表したアルバム『Lovely』とシングル『Clash』が全英チャートの6位を記録。
当時、The SmithsのモリッシーがThe PrimitivesのTシャツを着ていたというエピソードもあるほど、
高い人気を集めたそうです。



しかし、その後2枚のアルバムを発表した後、92年に一度活動を休止します。
そして、17年もの休止期間を経て2009年に突如復活。
(短期間活動して長期間休止して突然復活するという経緯はThe Vaselinesと似てますね)

活動再開後、音源としては12年にカバーアルバムを1枚出したきりだったのですが、
14年になってついにオリジナルアルバム(23年ぶり!)『Spin-O-Rama』をリリースしました。
この新作、最初は日本での発売が未定で表題曲だけiTunesで配信されていたのですが、
その後日本盤が正式にリリースされました。
僕が初めてこのバンドを聴いたのが13年だったので、とてもいいタイミングで出会ったことになります。



バンドの中心は紅一点のボーカル、トレイシー・トレイシー(彼女はオーストラリア人)と、
ギターとコーラス(たまにメインボーカル)のポール・コート
トレイシーの美貌から、デビュー当時はアイドルバンドだと見られたこともあったそうです。

ただ、聴いてもらえばわかるように、
彼女たちの魅力はトレイシーの美貌などではなく(いや確かにめちゃくちゃキレイだけども)、
間違いなくその素晴らしいサウンドにあります。
ラモーンズを彷彿とさせるポップなメロディと疾走感のあるシンプルなアレンジ。
特にポールが手掛けるメロディは、頭の中でリピートしてしまう強いフックと中毒性があります。

そして、ほとんどの曲が3分以内に収まってしまうパンク的なスピード感がある一方で、
ギターの揺らぎ方やトレイシーの声のエコーの利かせ方には、
彼らの少し前にデビューしたThe Jesus & Mary Chainをはじめとする、
英国シューゲイザーバンドからの影響も感じられます。
また、ポールのアルペジオ主体のギターは、どこかジョニー・マーっぽくもある。
(そういえばジョニーは最近のライブで<Clash>をカバーしてました)
そういう意味では、すごく「80年代イギリス」を感じさせるバンドかもしれません。

で、肝心の新作『Spin-O-Rama』ですが、これが驚くほど80年代の頃と変わらない。
トレイシーの声も全く変わってないし、まるで休止していた17年間、
ずっと冷凍真空パックされていたかのようです。
多分、初期の頃の曲とシャッフルしてかけても、
どっちが古くてどっちが新しいか分からないんじゃないかな。

僕自身の感覚では、The Primitivesの音楽はものすごくストレート
それも、王道のど真ん中のサウンドという気がしています。
そして、だからこそ60年代、70年代のバンドよりも、彼女たちの方がレトロだと感じます。
2010年代の後半に入った今、このバンドのような「王道」は、逆に新鮮に映ります。








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Car10 『BEST SPACE』

car10 - Best Space

「地方」「食えない」を
軽やかに飛び越えて


3ピースバンド、Car10(カーテン)を最初に聴いたとき、
「あ、イギリスのバンドだな」と思ったんだけど、
調べてみたら日本の、それも栃木県足利市を拠点に活動する地方のバンドで驚きました。
そのくらいこのバンドはスケールがデカく、日本的な匂いを感じさせません。

猛烈なスピード感と潰れたギターの音は最高にかっこよく、
英語と日本語がごくナチュラルに入り混じった歌詞のセンスも素敵。
何より、彼らの「声」が素晴らしいなあと感じます。
思わず笑ってしまうくらいに絶曲するコーラス(ギャングコーラスというらしい)と、
「お前やる気あんのか!」とユッサユッサしたくなるような、脱力しきった川田晋也のボーカル。

ぶっ壊れてるパンクバンドってたくさんいるけど、
Car10はすきま風がビュービュー吹くあばら家のように、かなり徹底的にボロボロです。
でも、逆にそこに昔のマッチョ系パンクバンドにはない繊細さや軽やかさを感じます。

2008年に結成して14年にレコードデビュー。
15年にリリースした2ndアルバム『Rush To The Funspot』からは、
銀杏BOYZ安孫子真哉が主宰するレーベル、KiliKiliVillaに所属しています。
そして今年6月、5曲入りで収録時間10分という(彼らの曲はほとんど2分以下なのです)、
暴風のような爆速EP『BEST SPACE』をリリースしました。

※2ndアルバムより<Bustard Blues>


いやしかし、こういうかっこいいバンドが、
栃木県足利市という「ド」がつくほどローカルな場所から出てきたことが、
一番素晴らしいことなのかも。

このブログでも地方出身のバンドってたくさん紹介してきたけど、
なんだかんだ言っても県庁所在地級の規模の都市だったり、
そうでない場合も拠点を大都市に移していたりするケースがほとんどでした。
ところが、Car10の場合は今でも活動拠点は足利のままです。
ちなみに栃木県足利市の人口はわずか15万人(2010年)。

インタビュー記事を読むと、彼らは地方で活動を続けることに、
決意や信念が特別あるわけではないようですが、
そういう気負ってないところが逆に頼もしく見えます。

気負ってないといえば、彼らは昼間は普通に働いてます
会社員なのかアルバイトなのかはわからないですけど、
とにかく昼間は音楽以外の仕事をしながらバンド活動を続けているようです。
そういえば、レーベルオーナーのあびちゃん(安孫子真哉)も、
こないだ地元の牛乳屋さんに就職したそうです。

全国流通盤をリリースして、大手レコード店にCDが置かれているようなバンドでも、
昼間はバンド以外の仕事をしているケースは、決して珍しいわけではありません。
ひと昔前なら、そういう「食えない」状態は「恥」と思われてたところがありました。
でも、Car10のように昼間働いてることを(本人たちの目標はあくまで「食う」ことかもしれませんが)
あっけらかんとオープンにすることは、僕としてはとても素敵だなと思う。


よく「プロとアマチュアの違いは『食える』か『食えない』か」
というような言い方をする人がいます。
僕も芝居をやっていたので、こういう言い方を何度か耳にしたことがあります。
芝居だろうが音楽だろうが、あくまで一つの「仕事」なんだから、
それ一本で生活できるかどうかをバロメーターにすべきだ。
こういう割り切り方は、一見クールでかっこいいかもしれません。

でも、じゃあCar10やあびちゃんは「アマチュア」なのでしょうか。
そして、TVに出てるあのクソみたいなバンドは「プロ」なのでしょうか。
1万人以上動員してるけど公演費用がかかるからバイトしてる食えない劇団員は「アマチュア」で、
芝居はロクに作らずカルチャースクールの講師だけで食える劇団員は「プロ」なのでしょうか。

以前、この記事でも似たようなことを書きましたが、
僕の結論としては「どうでもいい」です。
僕はCar10がプロだから聴いてるわけでもアマチュアだから聴いてるわけでもなく、
単純に彼らの音楽が好きだから聴いてるわけで、それ以上でもそれ以下でもありません。

たしかに、一度は日本のバンド界の頂点を極めたといっていいあびちゃんが、
今は音楽とは関係ない仕事をしているのは、少なからずショックではあります。
ですが、そんなことはそもそも他人の僕が心配するような問題ではなく、
僕は彼が送り出す音楽に興味があるからフォローするわけで、
彼が昼間何をしているのかは、本質的に関係のないことです。
あびちゃんが何をしてようが、彼が作る音楽が良ければ聴くし、そうでなければ聴かないだけ

だから、少なくとも僕には「食える食えない理論」はまったく本質を突いていないので、
それを口にする人とはなるべく関わり合いにならないようにしてきました。
まあ、「食える食えない理論」って大体、その世界でギリギリ食えてる人が、
食えてない人を威圧させて優越感を味わうために振りかざすケースが多いんですけど。

とはいえ、実は僕も偉そうなことはあんま言えません。
20代の頃は「本当に創作に打ち込むためには仕事なんかしてちゃダメだ!」
「他の人が仕事してる時間も創作をしないといいものなんて作れない!」
なんてことを大マジで議論してました。
Car10の爪の垢でも煎じて飲ませてそのまま蟹工船にでも押し込んでやりたくなります。

でも、だからこそ、地方で働きながら、かっこいい音楽を作り続けている彼らのような存在は、
本気でリスペクトするしめちゃくちゃ応援したいです。








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The Beatles 『Live At The Hollywood Bowl』

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「ビートルズは下手だった」って
言ってたのはどこのどいつだ?


ビートルズは1964年と翌65年の世界ツアー中、
米ロサンゼルスのハリウッドボウルで計3回のライブを行い、
そのときの演奏は録音されました。
もちろん、あとでライブアルバムを作るためです。
ところが、あまりに大きな観客の歓声や、
そもそもの録音環境の悪さによって音源化は見送られました。
(ポールのマイクが音を拾えてなかったという事故(ミス?)もあったそうです)

その後、この録音テープは紛失されるも10年後に発見され、
77年にジョージ・マーティンの手で一度はLP化されたのですが、
しばらくして廃盤になってしまいました。
つまり、ビートルズがそのキャリアの中で残した唯一の公式ライブアルバムだった
『Live At The Hollywood Bowl』(77年邦題『ビートルズ・スーパー・ライブ』)は、
長い間にわたりCDとしては聴けない状態にあったのです。

それが今年になり、にわかにCD化されることになりました。
先週紹介したロン・ハワード監督のドキュメンタリー映画『Eight Days A Week』の公開と、
タイミングを合わせたものでしょう。
リミックスとリマスターを担当したのがジョージ・マーティンの息子、
ジャイルズ・マーティンという点も因縁めいています。
このCD版はリリース後オリコンデイリーランキングで1位、
週間チャートでも3位にランクインしました。

ただ、今回のCD化で初収録の3曲があるとはいえ、
『Live At The Hollywood Bowl』という作品自体は、
前述のとおりLP盤としては既に流通していました。
廃盤になったとはいえ、中古レコードショップでは比較的容易に入手できます。
現に僕も持っています。

ということで、今回のCD版『Hollywood Bowl』の僕にとっての主眼は、
おのずと「LP盤とどっちがいいか?」という聴き比べになりました。



結論からいうと、僕はアナログ盤の方が好き

今回のCD化に伴うリミックスとリマスターによって、
LPに比べるとノイズ(観客の歓声)ははるかに抑えられました。
しかし、ライブアルバム=ライブの追体験と捉えるならば、
ノイズの多さはむしろ臨場感があって良いと感じます。
特に僕のような後追い世代にとっては、
いかに当時の雰囲気がパッケージされているかが、音質よりも大事です。
音質や聴きやすさを求めるなら、
既に『Live At The BBC』というシリーズがあるわけだし、そっちを聴けばいい。
もっとも、これはジャイルズのリミックスの方針云々というより、
単にアナログ盤の音圧によるものかもしれませんが。

ただ、CD化によって露わになったことがあります。
それはビートルズの演奏の上手さ
ノイズの低減により彼らの演奏と歌がよりクリアに聴けるようになりましたが、
自分たちの音はアンプからの直聴き、
ドラムにいたっては生音という当時の演奏環境と、
さらに観客の歓声によってそれすらも聴こえなかったという事実を考慮すると、
「なぜここまでピッチが狂わずリズムもバシッと決まるんだ?!」
という素朴な驚きがあります。

リンゴは本気で前の3人の音が聴こえなくて、
今どのあたりを演奏してるかわからないから、
仕方なく3人の動きを見ながら「ああ、このへんだな」と
見当をつけながら叩いていたと証言しています。
実際、映画『Eight Days A Week』では、
リンゴが他のメンバーとアイコンタクトしながら演奏している様子が映っています。

「僕らはアマチュア時代からありとあらゆる場所で演奏してたから大丈夫なんだよ」と
ポールはこともなげに答えてますが、そういう問題なのでしょうか。
リアルなライブの環境でもこのレベルの演奏ができるのだから、
観客なしのラジオ本番一発録りという「疑似ライブ」だった『Live At The BBC』が、
ほぼCDと変わらないクオリティであることが、今更ながら納得できます。
映画『Eight Days A Week』と併せて、
この作品は巷間言われる「ビートルズは演奏が下手だった」という評判に対し、
一石を投じる役割を果たしたといえそうです。

僕が好きなのは中盤の<Roll Over Beethoven><Boys>
<Roll Over Beethoven>のスピード感と
終盤のバースでボーカル→リフ→ボーカル→リフと繰り返すあたりの一体感や、
<Boys>におけるリンゴのブチ切れてるボーカルと、
それをさらに盛り上げるポール&ジョージの痛快なコーラスの掛け合いは、
まさにライブだからこそ聴ける興奮だと思います。








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