週刊「歴史とロック」

歴史と音楽、たまに本やランニングのことなど。

ハナレグミ 『hana-uta』

hanauta
いつか見た風景を映す鏡
そんな歌声がここにある


 昨年解散してしまったSUPER BUTTER DOGのボーカル、永積タカシのソロ・プロジェクト、それがハナレグミである。この『hana-uta』は2005年にリリースされたベスト盤。

 ファンク、ソウル、ブルース、レゲエからジャズやカントリーまで、サウンドは一曲一曲がバラバラでカラフル。だが、全体がアコースティックなトーンに統一されていて、どれもが静かで優しいバラードになっている。ブラック・ミュージックに根差している点はSUPER BUTTER DOGと変わらないが、グルーヴ重視ではなく、あくまで“歌”としての志向性がある。ボーカルがフィーチャーされているところはバンドと好対照で、いかにもソロ・ワークといった感じがする。

 あえて言えば、歌詞やメロディには取り立てて特別なものは感じられない。頭のなかでループするような中毒性のあるフレーズがあるわけでもないし、歌詞だって平凡と言えば平凡だ。それなのに聴き入ってしまうのは、彼の歌声のせいだろう。

 この人は本当に声がいいなあと思う。ハスキーでソウルフル。なのに黒人のゴージャスなソウル声のような“くどさ”はない。むしろ人間臭いと言うか、鼻に抜けるような独特の甘ったるさには、温もりとほろ苦い哀愁とが同居している。歌詞よりもメロディよりも、ハナレグミは声そのものが雄弁だ。

 なんと言えばいいのだろう、聴いていると外界がシャットアウトされて、引き出しの奥にしまっていた昔の手紙が何かの拍子で出てきたように、何年も前の思い出だとか、かつて感じたことのある気持ちだとか、心の奥底で埃をかぶっていたいろんなものが、一つひとつゆっくりと泡立ってくるようだ。

 ハナレグミ名義での最初のシングルであり、このアルバムでも1曲目に収録されている<家族の風景>。この曲を初めて聴いたとき、僕の瞼の裏には、何年も前に見たある夕景が像を結んだ。

 本当に個人的な情景なのだけれど、それはtheatre project BRIDGEがまだ湘南で活動をしていた頃によく使っていた稽古場の、2階の窓から見た景色だった。田舎なので周囲には高い建物がなく、ごく普通の家並みの上に空だけが広がっていた。季節は秋で、時間は多分午後3時とか、そのくらいだったと思う。空がオレンジ色に染まりきる手前の時間帯、傾き始めた陽がたくさんの砂金の粒を空中に撒き散らしたような、そんな空が広がっていた。

 きっと何かの拍子に僕の頭のフィルムに強く焼き付けられた景色なのだろう。季節、場所、時間帯、さらに言えば部屋の中の温度や窓ガラスの曇り具合まで、すべてがつい昨日の出来事のように鮮やかに蘇る。曲を聴きながら僕は、切ないような温かいような、なんとも言えない気持ちを味わった。

 ハナレグミの声は、そんな風に自分の内なる世界を覗かせる、鏡のような吸引力を持っている。その鏡に次は何が映るのかが知りたくて、何度も何度も聴いてしまうのだ。

 6月には4年半ぶりとなるニュー・アルバム『あいのわ』がリリースされる。


<家族の風景>はこんな曲


もうひとつ。ハナレグミと忌野清志郎による<サヨナラCOLOR>。SUPER BUTTER DOGの曲なので、このアルバムには収録されていないのだけど、あまりに素敵な顔合わせ、あまりに素敵な演奏だったので、ぜひ聴いてみてください

50回目記念 〜付け足しレビュー〜

 音楽・本・映画を中心に、個人的に思い入れのある作品だけをひたすら紹介してきたこのAnother Morningは今回で50回目になりました。

 これまでのところ、圧倒的に多いのが「music」の記事です。特に3月12日に投稿した「THE TING TINGS 『WE STARTED NOTHING』」以降の記事では、ラストになるべくYouTubeへのリンクを貼るよう心がけてきました。実際の音を聴くことで、「なるほど!」と感じてもらえたり、なかには「本文の印象と音が違う」なんていう風に思ったこともあるかもしれません。

 そこで、50回目記念に趣向を変えて、というほどでもないのですが、今回はYouTubeのリンクを貼っていなかった3月12日より過去の記事に関して、「実際の音」をまとめて載せてみたいと思います。


08,12,29 Duffy 『ROCKFERRY』(記事を読む
アルバムタイトル曲<ROCKFERRY>を歌うDuffy

 このアルバムを聴き直してみると、デビュー間もないとは思えない彼女の存在感の重さを改めて感じる。映像を見てもらうとわかるのだけれど、この垢抜けてない感じがとても好感が持てる。今年のグラミー賞において最優秀ポップ・ボーカル・アルバム賞を受賞。

09,1,19 the sugarcubes 『life’s too good』(記事を読む
本文でも触れた彼らの代表曲<birthday>

 どんなに「好きだ」と言っても足りないくらい大好きな曲<birthday>。iPodをシャッフルモードで聴いていて、この曲がかかるといつもビクンとしてしまう。ソロとなってしまった今、こんなバンド感溢れる曲は、もう聴くことはできないだろう。

09,2,2 the pillows 『PIED PIPER GO TO YESTERDAY』(記事を読む
「PIED PIPER TOUR」ディスクに収録された未発表曲の<Melody>

 どうでもいいことなんだけど、この会場のどこかにtheatre project BRIDGEの役者、渡邉香里と渡邉優子姉妹がいるはずです。さらにどうでもいいことなんだけど、このディスクの特典映像に収録されている、9,21のZepp Tokyoでのアンコール時、ボーカル山中さわおが発した「いやあ、この世に音楽があって良かったよ」という一言に、他の観客はシーンと聞き入っているにも関わらず、そんな周囲の空気も読まずに「キャー!」と叫んでいるのは、theatre project BRIDGEの役者鳥居沙菜とスタッフ松野友香です。

09,2,9 相対性理論 『ハイファイ新書』(記事を読む
<地獄先生>PV

 全国のCDショップ店員が選ぶ「CDショップ大賞」の第1回大賞に、相対性理論のデビュー・アルバム『シフォン主義』が選ばれた。今年もっとも注目されるバンドの一つ。

09,2,19 THE VASELINES 『THE WAY OF THE VASELINES ・ A COMPLETE HISTORY』(記事を読む
ヴァセリンズには、本人たちが映っていて、なおかつ質のいい映像がほとんどない。
なので曲だけの紹介。曲は<Molly’s Lips>

続いて、同じ曲をニルヴァーナが演奏しているのがこれ

 カートとコートニーの間に生まれた女の子フランシス。その名前の由来はヴァセリンズのボーカル、フランシス・マッキーである。

09,2,23 くるり 『ワルツを踊れ』(記事を読む
<ブレーメン>を演奏するくるり。オーケストラと一緒というステージングはなんだか少し気恥ずかしいのだが、曲は本当にいい

 ついに今週、最新作『魂のゆくえ』がリリースされた。今回のレコーディングはニューヨークで行われたそう。『ワルツを踊れ』がレコーディング場所のウィーンという土地柄を非常によく体現していたアルバムだったが、果たして今回はどうなるのだろう。

09,2,26 ミドリ 『セカンド』(記事を読む
<ドーピング☆ノイズノイズキッス>PV(画像粗いです)

 先日リリースされたジュディ&マリーのトリビュート・アルバムでは、大塚愛や中川翔子なんかに混じって参加し、<ミュージックファイター>をカバーしていたミドリ。ジュディマリのなかでもアバンギャルドな曲を、ミドリはさらにアバンギャルドにアレンジしていて、当然のことながら他の曲からものすごく浮いていた。だが、原曲の枠内を目一杯使ってもっとも「遊んで」いたのは間違いなくミドリである。ジュディマリ好きの2,30代OLなんかには理解してもらえないだろうが、間違いなく、今もっとも才能溢れるバンドの一つ。

09,3,9  Mates Of State 『Re-Arrange Us』(記事を読む
<Get Better>のPV

 本文で彼らのことを「オルタナなカーペンターズ」と書いたけど、あながち的外れな評価ではないことが、ビデオを見てもらえればわかってもらえる…かな?


 本ブログは元々、僕の所属する劇団theatre project BRIDGEのホームページ内の一コンテンツとして始めたものです。読んでくれている方のほとんどが、おそらく劇団経由でこのブログにたどり着いているんだと思います。

 劇団は今年で結成9年目になりますが、この劇団員のブログコーナーは意外と歴史(?)が長く、確かホームページを立ち上げてからすぐに始めたと記憶しているので、多分6,7年は続いているのではないでしょうか。まだ当時はブログというものがなく、写真も載せられなければコメント欄もない、ただ文字を載せるだけの「ウェブ日記」でした。

 当初は僕も日記を公開していたのですが、何の変哲も無い日常を面白おかしく書く能力に乏しく、そもそも僕個人の日々の生活を公開することに果たして意味はあるのだろうか?と、なんとなくネガティブな気持ちが抜けず、3年ほどは書き続けたものの結局閉鎖してしまいました。

 そういうわけで、昨年末、久しぶりにブログを書こうと思い立ったときも、端から日記を書こうという選択肢はなく、代わりに普段聴いている音楽や、本や映画のことだけを書こうと思ったのです。

 このブログが素敵な作品との出会いのきっかけになればとても嬉しいです。そして、願わくば、「このブログを書いている人間は果たしてどんな作品を作っているのだろう?」と、theatre project BRIDGEの芝居を観に劇場に足を運んでくれたら幸いです。うん、そうなったら本当に嬉しいなあ。

『1Q84』 村上春樹 (新潮社)

1Q84
バッグのなかには
いつも彼の小説があった


 僕は19歳のとき、大学1年生の夏に高校時代の仲間と劇団を旗揚げした。特に芝居に深い根拠があったわけではない。大学のどこにも居場所が見つけられなかったからだ。

 1年間の浪人生活を経て意気揚々と入学した大学に、僕はまったく馴染むことができなかった。同級生の交わす会話は、週末の飲み会とバイトの時給の話題しかなかった。教授は生徒が私語をしようが眠ろうがそんなことを気にも留めず、難解な話を独り言のようにボソボソと呟き、教室には空疎な時間だけが延々と流れていた。僕は大学というものに何一つ共通点を見出すことができなかった。その失望と不満とさみしさのはけ口を、僕は大学の外に求めたのである。

 劇団を旗揚げして2年目に、僕は初めて台本を書き、演出をすることになった。これについても、創作に対して特別情熱があったわけではない。今思えば、大学という本来いるべき場所からドロップアウトして、いわば緊急避難用のシェルターとして作った劇団を、オリジナルの作品を上演することで少しでも胸の張れる場所にできるようにしたかったのだと思う。「何もかも自分たちで作ってるんだ、すごいだろ」と、大学に対して見返してやりたかったのだ。そうすることで、「大学から逃げた」という罪悪感を消したかったのだ。

 オリジナル作品への挑戦はとても楽しいものだった。劇団のメンバー全員が「世界にたった一つしかないもの」を作ることにずっと興奮していた。だが、このことは同時に、僕と他のメンバーとの関係を大きく変えた。僕が台本を書き、演出を担当したことで、単なる友人同士として、いわば全員が横並びで始まった関係が、指示する人間と指示を受ける人間に分かれたのである。僕らは友人という関係から、「演出家」と「役者・スタッフ」という関係に変わった。

 最初からこの立場で劇団を始めていたら違っただろう。だがそのときの僕はこの関係の変化に戸惑った。多分他のメンバーも同じだったと思う。僕は次第に劇団の活動以外ではメンバーと会わなくなり、メンバーも僕を持て余すようになった。

 その頃、メンバーの多くが大学3、4年生になり、就職や進学で各自が徐々に劇団と距離を取り始めていた。でも、大学を捨ててきた僕に戻れる場所は残されていない。僕には劇団しかなかった。僕は誰からも認められる優れた芝居を書こうと焦っていた。しかし、そんなものは一向に書けなかった。大学で感じた孤独を埋めようと劇団を作ったのに、僕はさらに孤独になり、そして無力だった。

 ちょうどその頃、僕のバッグのなかにはいつも村上春樹の本が入っていた。

 彼の作品が気持ちを癒してくれたとか、何か爽快感を与えてくれたとか、そういうことじゃない。『1973年のピンボール』も『世界の終わりとハードボイルド・ワンダーランド』も、ページをめくるたびに僕は痛みを感じた。彼の全ての作品に漂う、世界の輪郭がゆっくりと失われ、自分一人が暗闇に取り残されていくような不安と孤独。そのどれもが僕自身の不安と孤独だった。村上春樹の作品は僕にとって、いわば鏡だったのだ。僕は来る日も来る日も彼の作品ばかりを読み、そしてそこに映る自分の姿を確認しては、「まだ生きている」「まだ大丈夫だ」と、千切れてしまいそうな心をなんとかつなぎとめていた。

 それからだいぶ時間が経った。劇団はまだ続いているし、当時のように暗くて辛くて惨めな気持ちになることは、少しずつ減ってきている。だがそれは、不安と孤独が消えたわけではない。ただそういう感情から目をそらし、やり過ごし、上手く付き合う方法を知っただけだ。僕は何も変わっていない。

 村上春樹を読むことは、心の奥にしまってある不安や孤独を、封を開けて一つひとつ取り出してみる、棚卸しのような作業である。時にそれは痛みを伴い、気持ちを深い闇のなかへと沈ませる。だが、僕は彼の作品を読むことで、自分自身を更新しなおしているのだと思う。好きだから、おもしろいから、ということではなく、僕にとって村上春樹は、大げさに言えば「読まなくてはならないもの」であり、とてもとてもパーソナルな作家なのである。

東京事変 『娯楽』

variety





「椎名林檎+バックバンド」が
「東京事変」へと進化した一枚


東京事変が2007年にリリースした3枚目のアルバム。
「娯楽」と書いて「バラエティ」と読む。

ソロ、バンド問わず、これまで椎名林檎が関わってきた音楽は、
彼女の世界観を第一義とし、それをひたすら追求してきた。
アレンジ・ワークには亀田誠治をはじめ、さまざまなミュージシャンが関わってきたものの、
作詞作曲を椎名林檎自身が担当してきたことはほぼ一貫していたため、
核の部分は常に“椎名林檎ワールド”からブレなかったわけである。

だが、この『娯楽』では、彼女の担当は数曲の作詞だけに絞られ、
他はすべてバンドのメンバーに委ねられた。
そのため個々の楽曲の印象も全体の肌触りにおいてもこれまでの作品とは一線を画し、
タイトルの示す通りいつになくバラエティに富んだアルバムとなったのである。

“椎名林檎ワールド”が好きな人には物足りないのかもしれない。
だが僕は彼女の音源のなかではこの『娯楽』が一番好きだ。

椎名林檎は非常にキャラクターが強い。
彼女の音楽に接するとき、椎名林檎というキャラクターと楽曲とを切り離して聴くことは難しい。
もちろんそれはどのアーティストにも大なり小なり言えることなのだが、
彼女の場合はレベルが違っていて、
曲を聴くときには常に彼女自身の人格を生々しく想像することが強いられるように思う。

これはつまり、椎名林檎の音楽を好きになるか嫌いになるかは、
彼女の人格を受け入れられるかどうかにかかっていることを意味している。
僕はおそらく受け入れられなかったタイプなのだと思う。
もちろん嫌いではないし、むしろ好きになろうと(彼女を受け入れようと)努力をするのだが、
どうもフィットしなかったのだ。

逆に言えば、椎名林檎の音楽を聴くにはそれだけの“純度”を必要とするということなのだろう。
僕がこのアルバムが好きだと思えたのは、作詞作曲が彼女の手から離れたことで、
これまで飛び越えられなかったハードルが一段低くなり、門戸が開かれたからなのだ。

このアルバムにおける椎名林檎は、いわば「モチーフ」である。
詞と曲を他人からあてがわれる純粋なボーカリストに徹し、そ
の声と築き上げてきたキャラクターを客体化しようというのがこのアルバムの目論見だ。

結果、この試みが奏功したのは、ボーカリスト椎名林檎の新たな魅力が見えたということもあるのだが、
それ以上に初めてこの5人が「椎名林檎+バックバンド」ではなく、
「東京事変」という固有のバンドになったことだと思う。

この作品を聴くまでは、正直ソロ時代も東京事変も大差ないじゃないかと感じていたのだが、
彼女が1人のボーカリストとなったことで、
また、ソングライティングをメンバーが担当したことで、
前作とは打って変わって全体感と躍動感が生まれている。
<ミラーボール>や<メトロ>のようなファンキーなノリの曲なんて、
これまでならありえなかったんじゃないだろうか。

今月24日には6年ぶりとなるソロアルバム『三文ゴシップ』がリリースされる。
この『娯楽』でだいぶ免疫ができたので、今度の新作には果敢にチャレンジしてみたい。




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YEAH YEAH YEAHS 『IT’S BLITZ!』

blitz
ポップとアートの波間に揺れる
アンバランスでいびつなロック


 アメリカNY出身のバンド、ヤー・ヤー・ヤーズが今年4月にリリースしたばかりの3rdアルバム。

 ヤー・ヤー・ヤーズは2003年にデビューした比較的新しいバンド。日本ではあまり売れていないので、認知度は高くないのだが、デビュー・アルバム『Fever To Tell』と、06年にリリースした2枚目『Show Your Bones』がともにゴールド・ディスクに認定され、またメディアや評論家からも高い評価を獲得している、2000年代を代表するロック・バンドの一つである。

 このバンドは編成が特徴的で、ドラム・ギター・ボーカルの3人組という、ベース不在のバンドである。先天的にアンバランスな彼らのロックは、抽象画のように猥雑であり、いびつである。

 だが、パワフルなドラムを叩くブライアン、地鳴りのようにノイジーなギターを弾き倒すニック、そして鳥居みゆき似の、危険な香り漂うフロント・ウーマンのカレンと、3人の強い個性が爆発することでポップさを失わせない。

 特にボーカル・カレンの存在感が強烈。永久に埋まらない欠落感や居心地の悪さ、そういった現代的な不安を、その真っ赤に塗られた唇から時に激しく、時に静かにシャウトする。前衛性とポピュラリティを並立させているところは上質の現代アートのようであり、とてもインテリジェンス溢れるバンドである。

 そしてこの3枚目、『IT’S BLITZ!』。おそらくヤー・ヤー・ヤーズにとって大きな転機となる作品ではないかと思う。今作では第4の楽器としてシンセイサイザーがほぼ全曲にわたって取り入れられ、曲調はダンサブルなものへと変化を遂げた。アナログからデジタルへの180度の方向転換であり、この舵の切り方はかなり唐突な印象を受ける。

 1枚目と2枚目のアルバムでは、基本的にドラムとギターとボーカルだけを武器として、いかに従来のバンドとは違うサウンドを構築するかに主眼が置かれていた。3人がてんでバラバラな方向に個性を発揮し、離れ離れになった3つの個性を頂点とするいびつな三角形が、これまでのヤー・ヤー・ヤーズだった。だが、シンセ導入による重層的な電子サウンドが、この三角形という平面図形を立体化し、空間的な残響感をもたらしている。

 今までのような、いかにもNYアンダーグラウンドといったスカスカで薄汚れた感じは無くなり、ヨーロッパ的なスノッブで官能的なサウンドに近づいた感じだ。おそらくここが賛否の分かれるところだろうと思う。

 だが、カレンの切羽詰ったボーカルも、ノイジーなところも相変わらず健在である。シンセによる恍惚とした安らぎの音と、彼ら本来の不安な音とが交互に波となって押し寄せる。

 この妙なリズム感ははっきり言って気持ちがザワザワとして落ち着かないのだが、この「なんとなく居心地の悪い感じ」は、紛れもなくこれまでのヤー・ヤー・ヤーズが追い求めてきたテーマと同一の地平上にあるものだ。そう感じられるからこそ、僕はこの『IT’S BLITZ!』を好意をもって受け取っている。


<ZERO>を演奏するヤー・ヤー・ヤーズ。シングル・カットもされたこの曲は、アルバム中もっともポップな仕上がり
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