週刊「歴史とロック」

歴史と音楽、たまに本やランニングのことなど。

U2 『NO LINE ON THE HORIZON』

HORIZON






ロック界の学級委員U2
スケール感衰えぬ最新アルバム


巨大なエンジンを積んだ超重量級の戦車が、
排気音を大地に響かせながら近づいてくる、そんな感じだ。

『JOSHUA TREE』の<WHERE THE STREET HAVE NO NAME>にしても、
『ALL THAT YOU CAN’T LEAVE BEHIND』の<Beautiful Day>にしても、
このバンドのアルバム1曲目はいつも圧倒的なスケール感で始まる。
2009年2月にリリースされたニューアルバムである本作。
その1曲目、タイトル曲でもある<NO LINE ON THE HORIZON>を聴いたときも、
「これぞU2だ!」と嬉しくなってしまった。

世界中のメディアとリスナーがその一挙手一投足に注意を払う、ロック界の巨人U2。
しかし、「大物」と呼ばれるアーティストは数多いるものの、
サウンドに込められたスケール感という点では、U2は他の追随を許さない。
4人とももうすぐ50歳というのに、
このおじさんたちは世界を丸ごと呑み込もうとするかのようにエネルギッシュで貪欲だ。

U2はものすごく、「真面目」なバンドである。
それは、例えばボノの一連の慈善活動であったり、
戦争や貧困を題材にした曲を数多く歌ったりといった表層的なアクションを指して言うのではない。
それらはあくまで彼らの真面目さの結果と見るべきだろう。
U2の真面目さとは、音楽によって世界とつながろうという愚直なほどストレートな姿勢のことであり、
しかもそれを30年もの間一貫して崩さないタフさのことである。

彼らの曲には恋の歌もあるし、家族の歌もあるし、
なかには抽象的で何を言っているのかさっぱりわからないような歌もある。
だがその根底には、音楽で世界を変えようと考えるほど楽天的ではないにしても、
少なくとも音楽を現実世界との交感によって作り上げようという意志がある。
彼らにとって音楽は快楽原理で鳴らすものではなく、また職人にのみ理解しうる技巧品でもなく、
世界の現実とコミットするための手段なのである。

正直で頑固で、しかもロマンチスト。真面目というよりも、
“生真面目”というニュアンスに近いのかもしれない。
だが、彼らの持つ巨大なスケール感は、そんなクラスの学級委員のような生真面目さの表れなのである。


この『NO LINE ON THE HORIZON』はU2の通算12枚目のアルバム。
前作『HOW TO DISMANTLE AN ATOMIC BOMB』から、およそ4年半ぶりの新作である。

話題作なのですでにいろいろな場所で語られているのだが、
僕の感じた印象としては、前作『HOW TO〜』の雰囲気に近いかな、という感じ。
ただ、やはりと言うか、
2作ぶりにプロデューサーに復帰したブライアン・イーノのカラーが強く出ているように思える。
彼がサイケ・ロックを作ったらこうなりました、というようなアルバムである。

だがカラフルな音色とは裏腹に、全体を覆う雰囲気はなんとなく重たい。
歌詞に大きな変化はないものの、音の密度が濃くて、
厚い壁が四方に屹立しているような、ハードな空気がある。
ロックンロールのうち、前作が「ロール」の部分が強く打ち出されたアルバムだとしたら、
本作は反対に「ロック」的な志向性を持つ作品と言えるかもしれない。

硬質な曲が目立つなかで、
今回唯一のセルフ・プロデュース曲であるラスト・ナンバー<NO LINE ON THE HORIZON 2>は、
ドラムとベースがパワフルに炸裂する、バンドとしてのU2が体感できるロック・チューンだ。

それにしても『NO LINE ON THE HORIZON』だなんて、なんて“マジメ”なタイトルなんだろう!


シングル・カットもされた<GET ON YOUR BOOTS>のPV

タイトル曲<NO LINE ON THE HORIZON>。こちらはスタジオでのライヴ風景





sassybestcatをフォローしましょう
ランキング参加中!
↓↓よろしければクリックをお願いします

にほんブログ村 音楽ブログ CDレビューへ
にほんブログ村 歴史ブログ 日本史へ

Perfume 『GAME』

game1





アイドルでもアーティストでもない
Perfumeとは「コンセプト」のことである


2年前か3年前か、はっきりとは覚えていないのだけど、
友達数人とカラオケに行ったときのこと。
酔っ払って疲れていたのか、一人が歌い終わったら休んで、しばらく経ったら次の人、
という具合の極めてまったりしたカラオケだった。
僕はまばらな曲予約の合間あいまにモニター画面に流される、
アーティストのインタビューやコメントをボーっと眺めていた。

その映像のなかにPerfumeがいた。
確か「新曲が出ました」とか、そういう内容だったと思う。
衣装も喋り方もちょっと野暮ったくて、そのときは彼女たちがまさかこんなに人気者になるとは思わなかった。

3人とも若いので、てっきりデビュー後いきなり売れたかのようなイメージがあるが、実は意外と苦労人。
結成は2001年。まだ彼女たちが小学生の頃だった。
インディーズでCDを出しながら、
デパート屋上のイベントやレコードショップの店頭などでライヴを行う下積み時代が長く続く。

そんな彼女たちがついにブレイクを果たしたのが2008年。
シングルのオリコンチャート首位獲得、ライヴ会場は中規模ホールからついに武道館へ、
そして年末には紅白出場と、人気を一気に全国区にした。
そんな文字通りサクセスストーリーな1年の幕を切って落としたのが、このセカンドアルバム『GAME』である。
オリジナルアルバムとしては初になるが、
全12曲の大半がタイアップ曲なので、実質的にはベストアルバムに近い豪華さだ。


Perfumeのおもしろさは、“ありそうでなかった”感だと思う。
音楽のジャンルが、ということではなく、彼女たちの存在そのものが既存の枠では捉えがたい。

まず、彼女たちに「アイドル」というカテゴリーは当てはまらないだろう。
男性をターゲットにすることはあっても、そこには男の妄想やフィクションに媚びるような気配がないからだ。
<チョコレイト・ディスコ>に見られるように、
むしろ彼女たちは女の子っぽさを「女の子っぽさ」という一つのモノとして逆手に取り、
ちょっぴりギャグっぽくアウトプットしているようなところがある。

かと言って、「アーティスト」というのもしっくりこない。
楽曲は全てプロデューサーの中田ヤスタカの手によるものであり、
そこに彼女たち自身の意思やメッセージといったものは介在しない。
そもそもパフォーマーとしてのPerfume自体、
ジェスチャー的で物語仕立てのようなダンスにしても、加工されたボーカルにしても、
生身の体温が欠落している。

つまり彼女たちには実体がないのだ。
3人は電子的なテクノサウンドによって映し出された幻影に過ぎない。
全ては用意周到に仕組まれた演技。
Perfumeというのはアイドルでもアーティストでもなく、コンセプトのことなのである。

だが、その一方で、トークなどで見られる3人のパーソナリティは非常にユニークで、
普通の日常を過ごす女の子としての体温が感じられる。
その落差がまたさらにおもしろい。
そういった意味では、彼女たちは単純なマリオネットではなく優れた天然の役者であり、
Perfumeという極めて知性的な遊びを煽るプレイヤーと呼べる。

タイトル曲<GAME>で歌われる、
「Play the GAME, try the new world」
という歌詞は、Perfumeという存在を比喩した、ある種の宣言文のように聞こえる。





sassybestcatをフォローしましょう
ランキング参加中!
↓↓よろしければクリックをお願いします

にほんブログ村 音楽ブログ CDレビューへ
にほんブログ村 歴史ブログ 日本史へ

『Gling-Glo』

gling glo





ビョークの歌うジャズ
彼女の声を堪能できる1枚


ビョークが歌うジャズアルバム」と説明するのが一番手っ取り早い。リリースは1990年。
 
正確にはビョーク名義ではない。
ジャケットには小さく「Bjork Guomundsdottir & trio Guomundar Ingolfssonar」と載っているが、
この名義で他にも活動をしているわけではないので、
この『Gling-Glo』というアルバムを作るために集まったメンバーをそう仮称した、
というだけだろう(ほとんどのレコードショップではビョークのコーナーに置いてある)。
ちなみに、定かではないのだけれど、たしかドラムのGuomundar Steingrimssonはビョークの父だったはず。

ビョークがジャズを歌うとどうなるか。
これが不思議と、いやピタリとハマっている。
90年と言えばちょうどシュガーキューブスで活動期と重なっており、
バンドのボーカルという点では脂がのっている時期ではあるのだが、それにしても、まるで最初からジャズ・ボーカリストであったかのようなハマり具合だ。彼女の音楽への素養の広さと深さが窺い知れる。

サウンドは全体的にソフト。
ドラム、ベース、ピアノというシンプルな音に乗せて、全16曲、柔らかいメロディをビョークは歌う。
ただし、しっとりした雰囲気というわけではない。
メロディは丸みを帯びているものの、音符はまるで粒のように飛び跳ねていたり、
わざと上下左右を行き来したりと、非常に元気がいい。
ソフトで柔らかくも、聴いているこちら側を励ましてくれるような逞しさがある。

クークルでは憑かれたシャーマンのような危うさ、
シュガーキューブスではやんちゃな女の子のような可愛らしさと、
さまざまな表情を見せるビョーク。
変幻自在な彼女がこのアルバムで見せるのは、温かく優しい、母性的な一面だ。
特に1曲目に収録されたタイトル曲<Gling-Glo>はまるで子守唄のよう。

収録されている16曲のうち、14曲は彼女の母国語であるアイスランド語で歌われている。
アイスランド語が理解できる人(多分あまりいないでしょう)でなければ、
このアルバムは雰囲気だけを楽しむ他ない。
 
だが、その分ビョークの声だけを心ゆくまで堪能できる1枚でもある。
ところどころ引っ掻いたようにかすれた彼女独特の声色は、歌詞の意味がわからなくても、
充分に“聴く”ことができる。

ビョークというアーティストはクセも強いしアクも強いし、
しかもソロ時代に入ってからの楽曲はかなり“アート”な道に進んでいるので、
なんとなく敷居が高そうなイメージがあるかもしれないけど、
そう感じている人にこそ、この『Gling-Glo』はおすすめ。









sassybestcatをフォローしましょう
ランキング参加中!
↓↓よろしければクリックをお願いします

にほんブログ村 音楽ブログ CDレビューへ
にほんブログ村 歴史ブログ 日本史へ

the pillows 『Please Mr. Lostman』

lostman





「出来損ないのカメレオン」が
全てにサヨナラを告げた日


ピロウズが結成20周年を迎える今年、初の武道館でのワンマンライヴを行うことになった。

1989年に結成し、91年にメジャーデビューを果たしたピロウズ。
そのキャリアは決して順調なものではなかった。
現在の彼らの曲しか知らない人が、初期ピロウズの曲を聴くと、その違いに驚くだろう。
初期の彼らはストーン・ローゼズやザ・スミスのようなフワフワとトリッピーな音色のギターを鳴らす、
洋楽の、とりわけブリティッシュのサウンドを色濃く体現したバンドだった。
だが当時の邦楽シーンには、
まだ彼らのような本格派の洋楽バンドを受け入れるほどの素養は育っていなかった。

思うような評価が得られず、ピロウズは迷走する。
93年にはバンドの生みの親でもあったベースの上田ケンジが脱退し、一時的に活動を休止。
その後事務所を移り活動を再開させ、
ボサノヴァやフレンチ・ポップ、ジャズなどにまでサウンドの模索を広げるものの、
セールスは依然として停滞し、メンバーとレコード会社など周囲との葛藤は日に日に深刻さを増していった。
状況を打破すべく、レコード会社のタイアップ戦略を受け入れて商業的な成功を狙ったシングル
『Tiny Boat』も低調に終わり、ピロウズは出口の見えない闇の中へ完全に落とされる。

そのような失意のどん底で、ボーカル山中さわおは『ストレンジカメレオン』を作る。
良いと思って作った曲がことごとく受け入れられない自らを
「周りの色に馴染まない出来損ないのカメレオン」と喩えた歌詞と、
かつてないほどに重く歪んだギターの音。
この『ストレンジカメレオン』は、それまでのバンドの音楽性を根底から覆すような曲だった。

契約を切られ、再びインディーズへと戻ることも辞さない覚悟でリリースしたこのシングルは、
結果FMチャートで2位を獲得し、直後に予定していたライヴのチケットは即日完売する。
ようやく、少しだけ、それまで彼らを覆っていた暗闇に光が射したのである。

この『ストレンジカメレオン』を収録したアルバム『Please Mr. Lostman』が、
今日のピロウズ・サウンドの祖形であり、20枚近くある彼らのアルバムのなかで間違いなく最重要な一枚だ。

ギターの真鍋吉明は、かつてインタビューでこのアルバムを「音楽業界への遺書」だと語っていた。
レコード会社や事務所がいくら反対しても、
これからは自分たちが信じる音楽だけを鳴らそうと決意したピロウズは、
『Please Mr. Lostman』を作ることで当時のシーンにも業界にもサヨナラを告げたのである。

このアルバムの持つ空気はとても痛々しい。
誰にも理解されない孤独と、自分の感性への揺るぎない誇りと、
そして「できれば僕の音楽を気に入って欲しい」という祈り。
山中さわおは当時の心情を生々しく楽曲に叩きつけている。
だがドメスティックでありながらこのアルバムが普遍性を持つのは、
彼の曲が悲しみでも嘆きでもなく、「誇りある孤立」を選び取る勇気を謳っているからだ。

サヨナラと告げて旅立ってから10年以上、ついにピロウズは武道館のステージに立つ。
世界に居場所を見出せなかったLostman(迷子)が、長い時間をかけて多くの人に理解され、
そしてかつては夢にも見なかった場所へとたどり着いたのだ。
彼らの作る歌一つひとつに自分自身を重ね合わせてきた僕にとって、
これは単なるバンドのサクセスストーリーなどではなく、もっと大きな希望と幸福の物語なのである。








sassybestcatをフォローしましょう
ランキング参加中!
↓↓よろしければクリックをお願いします

にほんブログ村 音楽ブログ CDレビューへ
にほんブログ村 歴史ブログ 日本史へ

Janis Joplin 『PEARL』

janis





「鬼気迫る」とは
彼女のことだ!


白人女性ブルースシンガーの最高峰、ジャニス・ジョプリンの代表作であり、彼女の遺作となったアルバム。
この『パール』のリリースを3カ月後に控えた1970年10月4日、
ジャニスはヘロインの過剰摂取で亡くなってしまう。

今から40年も前のアーティストである。
ロック雑誌などで彼女のことが語られるとき、必ずと言っていいほどセットになるのが、
ヒッピー・ムーブメントサマー・オブ・ラブといった当時の世相やカルチャーだ。
81年生まれの僕には、そういった時代の空気はよくわからない。

僕が感情移入するのは、彼女の年齢である。
享年27歳
その若さで、なぜこれほど鬼気迫る歌声を聞かせられるのか。
同い年の僕は、ただただ圧倒される。


高校時代からシンガーを志したジャニスは、20歳のときに地元テキサスを離れ、
ヒッチハイクをしながらサンフランシスコを目指す。
当時のサンフランシスコはヒッピーなど当時の若者文化のメッカというべき街。
彼女はそこで、コーヒーバーなどで歌いながら歌手になるチャンスを待ち続ける。

転機は24歳のときに訪れる。67年に行われたモントレー・ポップ・フェスティバル
20万人以上を動員し、ジミ・ヘンドリックスがギターを燃やしたことでも有名な、伝説の野外コンサートである。
前年に加入したビッグ・ブラザー&ザ・ホールディング・カンパニー
ボーカルとしてステージに立ったジャニスは、
その圧倒的なステージングで聴衆からも音楽業界からも一躍注目されることになる。

その後バックバンドを変えながら3枚のアルバムをリリースし、
ウッドストック・フェスティバルをはじめ、大規模なステージでライヴを行い、大スターとなったジャニス。
そんな彼女が、新たに結成されたバックバンド、
フル・ティルト・ブギーとともに制作に挑んだのが、この『パール』だった。


ジャニスは決して「美声」の持ち主ではない。
以前本稿でシュガーキューブスを紹介したときに、
ビョークの声を「地上でただ一つしかない楽器」と書いたけれど、
ジャニスの場合はそれとは対照的。
無数の引っ掻き傷を受けたかのようにかすれ、引きつれた歌声は、
持ちうる情念の全てを叩きつけるかのようであり、
そこには楽器的な美というよりも、一人の女性の人格そのものがさらけ出されたような生々しい迫力がある。
まさに「ソウル」。

女性シンガーだからと言って、ジャニスには「歌姫」という呼称は似つかわしくない。
刹那的で激しく、夏の日のスコールのように歌うジャニスは、姫というよりもむしろ魔女のようだ。
だがその魔女は、狂おしいほどに激しい雨を降らせた後、陽炎という名の儚く切ない夢を見せる。








sassybestcatをフォローしましょう
ランキング参加中!
↓↓よろしければクリックをお願いします

にほんブログ村 音楽ブログ CDレビューへ
にほんブログ村 歴史ブログ 日本史へ
記事検索
プロフィール

RayCh

twitter
読書メーター
ReiKINOSHITAの最近読んだ本
訪問者数
  • 今日:
  • 昨日:
  • 累計:

  • ライブドアブログ