週刊「歴史とロック」

歴史と音楽、たまに本やランニングのことなど。

くるり 『ワルツを踊れ』

walzer




弦の音色が引き出した
くるり岸田繁の名曲の数々


日本のロックバンド、くるりの7枚目のアルバム『ワルツを踊れ』。
このアルバムは、2009年2月現在でのくるりの最新のアルバムであり、彼らの最高傑作である。
全13曲の豊穣な世界は、音楽の流行り廃りの波になど微動だにしない、燦然たる魅力を湛えている。

くるりの音楽は多彩だ。
例えば初期にはオーセンティックなギターロックを奏でる『さよならストレンジャー』(’99)や、
よりアバンギャルドな『図鑑』(’00)があるが、
3枚目『TEAM ROCK』(’01)では打ち込み音やエフェクトなどを大胆に取り入れて新境地を開拓し、
続く『THE WORLD IS MINE』(’02)では、さらにそのエレクトロニカ路線を強く押し出した。
そのまま電子音楽カラーが続くかと思いきや、
外人ドラマーがメンバーに加入して作られた『アンテナ』(‘04)ではギターロックへと回帰し、
よりハードなバンドサウンドへと進化を遂げる。

ロックを基盤にしながらも、非ロックにまで重心をずらしてしまう、
その自由奔放で豊かな音楽性には、リリースのたびに驚かされてきた。
なかなか一筋縄では括れないのがくるりのおもしろいところである。

『ワルツを踊れ』のレコーディングはウィーンとパリで行われた。
場所柄なのだろうか、ほぼ全編にわたってストリングスによるアレンジが施され、
これまででもっともクラシック的な感性の強いアルバムだ。

岸田の書く歌詞の魅力は、日常のなかのごく小さなワンシーンを切り取ったような、
都市生活者的でミニマムな世界観だ。
時にシュールで、時に皮肉たっぷりな独特の“岸田目線”は、
ある意味ではスケールの大きなストリングスの音とは対極にあるように見える。

だが岸田にはもう一つ、名曲<ばらの花>に見られるような、
叙情性と物語性に富んだ楽曲群を生み出す、優れたストーリーテラーとしての魅力がある。
ストリングスアレンジは、岸田のこの資質と非常によくマッチした。

名もなき少年を主人公にした<ブレーメン>や、別れの切なさを歌う<ジュビリー>、
恋人と過ごす時間を時計の針の音で描く<恋人の時計>などは、まさにその好例である。
素朴な楽曲と、ヴァイオリンやヴィオラ、チェロといった古典楽器の音色との混交が、
時間も国境も超えうる普遍的な美しさを生んでいる。

もちろん収録された13曲全てが大好きなのだけれど、
もっともガツン!ときたのは2曲目の前述<ブレーメン>である。
1曲目の<ハイリゲンシュタッド>はインスト曲なので、
このアルバムの実質的な幕開けはこの<ブレーメン>から。
歌詞を読むととても暗い歌なのだけれど、それ以上にとにかく美しい曲で、
このままNHKの「みんなのうた」に含めてもいいほどのタイムレスな名曲だ。

後半に進むにつれて、より日常的でささやかな風景を歌う曲が多くなるのだが、
ラストに再び<言葉はさんかく こころは四角>という、
これまたシンプルだが叙情的な名曲が収録されている。

<ブレーメン>に始まり<言葉は〜>で締めくくるという構成には、
『ワルツを踊れ』というアルバムが持つピュアネスが端的に表れており、
この美しさは、ビーチボーイズの『ペット・サウンズ』(‘67)にも匹敵するのではないかと思う。




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THE VASELINES 『THE WAY OF THE VASELINES ・ A COMPLETE HISTORY』

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男女ツインボーカルが織り成す“ゆるい”世界
ザ・ヴァセリンズの全曲集


イギリス・スコットランドのバンド、ヴァセリンズの全発表曲に
未発表の3曲を加えたコンプリート・ディスク。

ヴァセリンズの活動時期は1986年から89年にかけてだから、もう20年以上も前のバンドになる。
短いキャリアの中で残したスタジオアルバムはわずかに1枚しかない。
なので、シングル曲を含めて全音源を収録しても、このように1枚に収まってしまうのだ。

バンドの中心はユージン・ケリー(ボーカル/ギター、男性)と
フランシス・マッキー(ボーカル/ギター、女性)の2人。
男女のツインボーカルだ。
ユージンの独り言のようなボソボソした声と、フランシスの気だるいフワフワした声とが、
付かず離れずのゆるい距離感で絡み合う。
アンダーグラウンドな雰囲気と、60年代ポップスのような素朴さが同居している、
とてもユニークな味わいのあるバンドだ。

イギリス地方都市グラスゴー生まれの、キャリアも短いヴァセリンズが、
多くの人に認知されるようになったのは、ニルヴァーナの影響が大きい。
カート・コバーンは「生涯最高のバンド」としてヴァセリンズを挙げており、
実際に<SON OF A GUN><MOLLY’S LIPS>といった曲をカバーしている。
僕自身もニルヴァーナ経由でヴァセリンズと出会った一人だ。


ニルヴァーナに触れたことで話をちょっと脱線。

世の中にはロックの歴史に名を刻む、いわゆる「ロックの名盤」と呼ばれるものがたくさんあるけれど、
ザ・フーの『マイ・ジェネレイション』にしてもツェッペリンのファーストにしても、
そのほとんどは僕が生まれる前に発表されたものばかりで、
できればリアルタイムで聴いてみたかったな、と夢想することが多い。
洋楽雑誌とかで「『サージェント・ペッパー』で歴史が変わった!」なんていう記述を目にすると、
「ケッ、どうせ俺は生まれてねえよ」と悔しくなる。

そういった意味で言うとニルヴァーナの『NEVER MIND』(’91)は間違いなく、
僕がリアルタイムで聴けるロックの名盤だった・・・はずだった。
僕は当時、このアルバムを完璧に“スルー”したのだ。

以前オアシスの項で触れたように、当時まだ洋楽を聴き始めたばかりの僕は、
ポップメタルバンドに目を奪われていて、ニルヴァーナのガーガーした感じが好きになれなかった。
だから、みんながギターで<Smells Like Teen Spirit>のイントロのリフを弾いている横で、
僕はボン・ジョヴィの<Livin’ On A Prayer>を練習していたのだ。

問題は、
「好きにはなれないのだけれど、ボン・ジョヴィよりもニルヴァーナの方がカッコイイのはなんとなくわかる」
ということだった。
アイツはイヤな奴だけど俺よりモテるのは認めよう、みたいな切ない敗北感は、
その後もしばらく尾を引いた。
では、どうしてこの「ニルヴァーナ・コンプレックス」が解消されたかと言うと、きっかけはヴァセリンズだった。

カート・コバーンは自身のルーツとしてヴァセリンズを挙げているけれど、
実はこの2つのバンドはあまり似ていない。
ヴァセリンズの楽曲はオーソドックスなギターポップであり、
せいぜい割れたギターサウンドに、多少ニルヴァーナとの共通点がうかがえる程度だ。

だが、ヴァセリンズを聴いた後に改めてニルヴァーナを聴いたら、思わず心の中で叫んでしまった。
「なんだこれ、メチャクチャかっこいいじゃないか!」。
ヴァセリンズを聴いたことで、ニルヴァーナのローファイなサウンドに隠れていた、
実はメロディアスな一面であったり、カートの歌声の独特な味わいであったり、
とにかくそれまで気付かなかった魅力が瞬く間に全身に鳴り響いたのだ。

なんだかこう書いていると、まるでヴァセリンズが、
ニルヴァーナを知るためのツールに過ぎないかのようだが(きっかけは確かにそうだったけど)、
もちろんそんなことはない。
ニルヴァーナを聴いた後、再度ヴァセリンズへ戻ると、
これはこれで以前よりも奥行きをもって聴こえるから不思議である。
あえて言えば、僕はポップでゆるく、どこかメランコリーなヴァセリンズの方が耳にフィットする。

違うバンドや別のアルバムを聴くと、相対的にこれまで気付かなかった側面に光が当たって、
新たな魅力を感じ取れるようになったり、双方がますます好きになったりする。
音楽はこういうことがあるからおもしろい、と思う。




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東京スカパラダイスオーケストラ 『PARADISE BLUE』

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新生スカパラのスタートを告げる
ドライ&ビターなニューアルバム


東京スカパラダイスオーケストラのニューアルバム『PARADISE BLUE』がリリースとなった。

スカパラは今年でデビュー20周年を迎える。
当初より、ジャマイカ発祥のスカに邦楽的な歌謡曲のメロディーを乗せた、
「東京スカ」というオリジナルジャンルを掲げ、今日まで独自のポップセンスを磨き上げてきたスカパラ。
ロックもポップもジャズも飲み込んで、裏打ち&ホーンで仕上げてしまう彼らの消化能力はハンパじゃない。
スカというジャンルがアンダーグラウンドから日本のリスナーにも馴染みあるものへと押し上げられたのは、
彼らの功績が大きいはずだ。


今回のニューアルバムは、待ち遠しかった反面、ハラハラした気持ちもあった。
昨年の7月、オリジナルメンバーでありバンドの精神的支柱でもあった、
アルトサックスの冷牟田竜之が脱退した。
この『PARADISE BLUE』は、9人となった新生スカパラの、最初のアルバムになるのだ。

結果としては非常に硬質な手触りをもつ作品となった。
『FULL-TENSION BEATERS』(’00)以降、スカパラサウンドの中核をなしたゴージャスなロックテイストが、
その生みの親である冷牟田が抜けたことでやや後方に下がり、
シンプルなスカリズムとエッジの効いたメロディーが前面に押し出された。
70年代後半のイギリスで流行したスペシャルズをはじめとする2トーンサウンドのような、
ドライな味わいがある。

 
また、ここ最近の彼らのアルバムでは珍しく、ボーカル曲がない。
たとえば前作『Perfect Future』(’08)では、
ドラム茂木欣一と元KEMURI伊藤ふみおがボーカルを務めた2曲がアルバムの序盤と終盤に配置され、
全体に華やかさを添えていた。
今回の『PARADISE BLUE』においても、<Routine Melodies>や<そばにいて黙るとき>、
サッカーの応援曲で有名な<You’ll Never Walk Alone>のカバーなど、歌詞付きの曲はあるにはあるが、
全てメンバーによる合唱であり、ボーカル曲というよりもインスト曲である印象が強い。
全体として渋い、ビターなアルバムだ。


彼らはここに来て、一度シンプルなスカバンドに立ち返ろうとしているように見える。
冷牟田の脱退、そして20周年という節目を迎え、あえてありのままのスカパラで勝負に挑んできたのだ。
僕は、1回目に聴いた時はまだ五分五分、くらいだったのだけれど、
2回目を聴き終わって完全にノックアウトされた。2ラウンドKO負けである。

最初に聴いた時には、これまでの印象との食い違いがあって、いまいちピンと来なかった。
だが2回目には一変。
個々に独立していた曲と曲が耳の中で急にくっつき始め、全12曲がひとつなぎになって聴こえてきた。
特に中盤がすごい。
4曲目<Heaven’s Door>から9曲目<Already Steady>までは、まるで怒涛のメドレーである。

とにかくブレというものがない。
これまでのようなゴージャスなアレンジをしなくたって、どんなメロディーも手なずけてやる。
ジャケットに映る彼らの姿には、そんな余裕たっぷりの自信のようなものが窺える。

『PARADISE BLUE』が聴かせるドライ&ビターなサウンドはスカパラにとって、
スカバンドとしてのキャリアの一つの到達点でもあり、新たなスタートを切る宣言でもあるのだ。







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akiko 『LITTLE MISS JAZZ & JIVE GOES AROUND THE WORLD!』

jazz&jive





ニューヨークの街角へと連れ出してくれる
陽気で華麗なジャイヴのリズム


音楽にはそれぞれ、聴くのにもっとも相応しい時間帯というものがあると思う。
たとえば平日の朝にこってりしたブルースは聴きたくない。
これから仕事、という時間には美しいクラシックや優しいカントリーミュージックをかけて、
憂鬱な気分を少しでも解きほぐしたい。
こってりブルースはむしろ夜寝る前、週末は昼からロックをかけてハイになる、といった具合に、
生活のリズムや心理に合わせてフィットする音楽は変わるものだ。

ジャズ、はどうだろう。
一口にジャズといっても硬から軟まで幅広いが、
たとえば朝に牛乳とトーストを食べながらマイルス・デイビスを聴く、というのはちょっと想像しづらい。

ジャズはやはりお酒とともに楽しむもの。夜の音楽という気がする。
くたびれた肉体と神経をまとった夜の感性に、スッと染み渡る音楽として、
ジャズ以上のものはないのではないか。


と、言いつつ、今回紹介する『LITTLE MISS JAZZ & JIVE GOES AROUND THE WORLD!』は、
昼間どころか朝起きてすぐにだって聴けるジャズアルバム。
オールラウンドプレイヤー的1枚なので是非おすすめしたい。
日本人ジャズボーカリストakikoが2005年にリリースしたアルバムだ。

この人、デビュー以来ずっと英語詞の歌を歌っていて、
その発音があまりに上手いので、きっと英語圏の国で生まれて本場のジャズの中で育ってきた、
「日本人の顔をした外人」なのだろうと思っていたけれど、実は埼玉県出身。なんだか親近感。

しかし彼女の経歴と実力は折り紙つき。
所属するヴァーヴ・レコードは、
チャーリー・パーカーやビル・エヴァンス、デューク・エリントンなども在籍していた米国の老舗ジャズレーベル。
日本人アーティストでヴァーヴに所属したのは彼女が初めてである。

2001年、そのヴァーヴからリリースした『Girl Talk』でデビューしたakikoは、
その年のジャズ部門の新人賞を総ナメにする。
当時弱冠25歳。
だがすでに歌声は垢抜けていて、大物感が漂っていた。

デビューアルバムはオーソドックスなソフトジャズだったが、
2枚目以降はフュージョンやビバップ、さらにはハウスなどを取り入れて、
アルバムごとに異なる音楽を追求してきた。
ちなみにこの『LITTLE MISS JAZZ & JIVE GOES AROUND THE WORLD!』の次に出したアルバムでは、
なんとサンバやボサノヴァにまで手を出している。
なのでジャズボーカルというよりも、ジャズをベースとしたマルチ・ボーカリストといった方が適当かもしれない。

そのakikoがこのアルバムでチョイスしたのは、タイトルにもあるとおり、ジャイヴである。
ジャイヴとは、いわゆるスウィング・ジャズのこと。
大人数編成のバンドによって演奏されるジャズのひとつで、
座って聴き入るようなソフトなジャズと違って、踊って楽しむダンスミュージック的性格が強い。
映画『スィングガールズ』で主人公たちが演奏していたヤツ、といえばわかりやすいだろうか。
有名な<A列車で行こう>なんかはジャイヴの代表曲だ。
パワフルなリズムとノリの良さが、どんな時に聴いても気持ちを陽気にしてくれる。

ジャイヴはとにかく華やか。
このアルバムでakikoは、【Little Miss Jazz & Jive】という一人の貴婦人に扮している。
彼女の住む世界は20世紀前半あたり、
夜のニューヨーク、ガス燈が灯り多くの人で賑わうメインストリート、といったところだろうか。
【Little Miss Jazz & Jive】が聴く者をレトロで華やかな風景へと誘う、
そんな演劇的な部分もジャイヴという音楽にはぴったりだ。
こういった遊戯的な世界観は、プロデューサー小西康陽(ピチカート・ファイヴ)の面目躍如である。


実は、このアルバムを聴いて、ジャズをテーマにした芝居を作ろうと考えたことがある。
4年近く放置したままだったそのアイディアを引っ張り出して、
ジャズをロックに変えて作り直そうとしているのが、
theatre project BRIDGEの次回公演『七人のロッカー』なのである。








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相対性理論 『ハイファイ新書』

HiFiAnatomia




都市風景をなぎ払い、永遠をあぶり出す
相対性理論の壮大な挑戦


話題のバンド、相対性理論の2枚目となるアルバム。

結成は2006年というから、まだ生まれたてのバンドと言っていい。
07年にリリースした5曲入りミニアルバム『シフォン主義』が話題となり、翌年には再発売。
自主制作盤ながらタワーレコードのインディーズチャートで1位になったり、
08年の年間ベストアルバムセレクションに選ばれたりと、人気に火がつく。
そして09年1月、満を持してリリースされたセカンドアルバムが、この『ハイファイ新書』だ。

メンバーは、やくしまるえつこ(ボーカル)、真部脩一(ベース)、
永井聖一(ギター)、西浦謙助(ドラム)の4人。
だが素顔を一切露出していないため、顔はおろか年齢すらよくわからない。
曲はすべてベースの真部が手がけている。

チャンネルをテレ東に リモコン持ったら速やかに
フルカラーのまたたきが ブラウン管からあふれだす

アルバム1曲目<テレ東>の冒頭の歌詞である。
日常的で無機的な単語、つまり詩的言語とは正反対の言葉を組み合わせて作られた歌詞を、
ボーカルやくしまるえつこが感情を込めないウィスパーボイスで歌う。
一口で言えば非常にサブカルチャーな匂いの強いサウンドで、
初めのうちは単に奇を衒っただけのよくありがちなバンド、と見なしてしまう。

だが、2回3回と聴いているうちに、なんだかクセになってくる。
サブカルというだけで終わってしまう凡百のバンドとは、どこか違う。

わたしもうやめた 世界征服やめた
今日のごはん 考えるのでせいいっぱい
もうやめた 二重生活やめた
今日からは そうじ 洗濯 目一杯
                 <バーモント・キッス>

とにかく歌詞世界は全曲こういった具合である。
だが、一見すると支離滅裂に見える言葉の羅列からは、聴き進むにつれて、ある情感が湧いてくる。

一つひとつの単語はいわば、
高層ビルや行き交う人の群れ、駅や道路といった無機質で刹那的な都市の風景だ。
過剰ともいえる言葉の羅列は都市風景を次から次へと映し出し、
やがてホワイトアウトするように全てが崩れ去る。
そして浮かび上がるのは、「永遠」というキーワードだ。
大量の無意味が逆に意味を生み出すように、刹那的風景の氾濫の中から、
永遠という名の風景があぶり出されてくる。
 
抑制の効いたハイファイサウンドも、やくしまるのウィスパーも、
全ては永久なるものへの憧れに聴こえる。


『シフォン主義』もこの『ハイファイ新書』もどちらもオススメだが、
質は圧倒的に『ハイファイ新書』の方が高い。
逆に言えば相対性理論はわずか2枚目ですでに相当な高い領域へ片足を踏み入れたことになる。
研ぎ澄まされた『ハイファイ新書』を先に聴いてから、
荒削りだが勢いのある『シフォン主義』を聴く、という順番がいいかもしれない。






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